Tonalidad y atonalidad

Toda la música que se compuso entre los siglos XVII y principios del XX suele incluirse en la categoría de música tonal, basada en la idea de que en cada pieza debe preponderar y usarse como referencia uno de los 12 tonos de que se compone la música occidental (do-do#-re-re#-mi-fa-fa#-sol-sol#-la-la#-si). A este tono especial se lo denomina centro tonal o nota tónica, y en la mayor parte de las composiciones musicales es el «centro» de la pieza.

Este concepto se plasma en los títulos de las obras clásicas: si una pieza tiene por título Sinfonía en sol menor, significa que se basa en una escala de sol menor y que sol es su nota tónica.

Richard Wagner fue el primer compositor que empezó a cambiar la música con un uso a fondo del cromatismo. Creaba piezas con bemoles y sostenidos; por ejemplo, al componer en do mayor, es decir, basándose en la escala do-re-mi-fa-sol-la-si-do, Wagner empleaba las notas do#, re#, fa#, sol# y la# de forma generalizada.

Los compositores posteriores a Wagner recogieron el testigo y lo llevaron aún más lejos. El resultado de estos experimentos musicales fue la atonalidad, en la que se concede la misma importancia a cada una de las 12 notas y desaparece la nota tónica. A partir de entonces, las melodías no tenían por qué girar en torno a una nota central; al desembarazarse de la nota tónica, decían estos compositores, podían hallar nuevas vías de expresión, tal y como el expresionismo abría un nuevo mundo de posibilidades en las artes plásticas.

Aunque parezca que estamos hablando de términos técnicos, lo cierto es que, gracias a la tonalidad, las melodías nos resultan familiares y agradables de escuchar. Casi todas las canciones de pop y folk se encuadran dentro de la música tonal. Sin embargo, cuando se desafía la tradición —ya sea en música clásica, en jazz o en pop— el resultado suena discordante y extraño para la mayoría de las personas. Lo música atonal resulta sorprendente y «moderna» incluso hoy en día, casi un siglo después de su desarrollo.