Música clásica para dummies David Pogue

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Capítulo 17

La música clásica también se canta

En este capítulo

A qué nos referimos cuando hablamos de tesitura y color vocal

Los distintos tipos de voces y las mejores obras para conocerlas

* Los contratenores, hombres que cantan en falsete

El coro, un instrumento que cuenta con un extenso repertorio

De todo lo dicho hasta ahora parecería que la música clásica es sólo instrumental. ¡Y no, también se canta! De hecho, casi puede decirse que la música fue antes vocal que instrumental, y que sólo después de numerosos y arduos experimentos la segunda pudo hallar vida propia fuera de la primera.

Dado que en esta parte te estamos hablando de los “instrumentos”, toca referirse a los vocales, que básicamente vienen en un surtido de seis tipos básicos, desde el más alto hasta el más bajo. Son los siguientes:

Las mujeres y los niños son sopranos, mezzosopranos y contraltos, mientras que los hombres son, en su gran mayoría, tenores, barítonos y bajos. Es lo que se llama tesitura, un término que indica la extensión de sonidos que una voz (o también un instrumento) puede emitir. Si aprendes a usarlo, te aseguramos que te ganarás el respeto de los más esnobs.

Lo importante, no obstante, es que con esos seis tipos de voz y sus distintas combinaciones tienes a mano prácticamente todo el repertorio vocal, de la ópera al lied, del oratorio a la canción coral.

¿Quieres conocerlos con más detalle? Pues síguenos. Y si luego te quedas con ganas de saber más, te proponemos Ópera para Dummies, una gran obra debida a estos mismos autores.

Las sopranos

Las sopranos son las cantantes mejor pagadas. ¿Por qué razón?

En primer lugar, porque obtienen los papeles más simpáticos, pero además, y todavía más importante, porque cantan las notas más altas. Y la gente, sobre todo desde que allá por el siglo XVII se inventó algo llamado ópera, paga por oír estas notas altas.

Ahora bien, el de las sopranos no es ni mucho menos un grupo homogéneo. Además de la distinción entre soprano dramática y lírica (para más información, lee el recuadro “El color de las voces” en este mismo capítulo) se pueden hacer otras. ¿Quieres conocerlas?

Las sopranos coloratura. Son los pájaros de gorgoritos del aviario musical. Sus voces suenan como flautas: ligeras, puras y capaces de gran agilidad en las notas altas. (De hecho, las arias o canciones de coloratura suelen escribirse a dúo con una flauta, y en ellas la voz imita al instrumento y viceversa.) Los más famosos papeles de coloratura son los de Lucia di Lammermoor, de la ópera del mismo título de Gaetano Donizetti, y la Reina de la Noche, de La flauta mágica de Wolfgang Amadeus Mozart.

Las sopranos líricas. Son el pan blanco del género. La mayoría de las sopranos del mundo pertenecen a esta categoría. Cuando un compositor desea escribir para una joven y dulce santurrona, hermosa y virginal, es muy probable que escoja una voz de soprano lírica: ni tan aguda que suene áspera ni tan baja que semeje un gruñido. Muchos de los más queridos papeles operísticos han sido escritos para soprano lírica, incluyendo Mimí, de La bohème, de Giacomo Puccini; Violetta, de La traviata, de Giuseppe Verdi, y Marguerite, del Fausto, de Charles Gounod, más la mayoría de los personajes principales femeninos de Mozart.

Las soubrettes. Éstas son muchachas agraciadas o camareras y confidentes. Mozart prodigó gran amor a esta clase de personajes en los papeles de Susanna (Las bodas de Fígaro), Despina (Così fan tutte) y Zerlina (Don Giovanni).

Las sopranos spinto. Su nombre proviene de la palabra italiana spingere, que significa “empujar”, no porque sean voces forzadas, sino porque poseen naturalmente más potencia que las líricas. Los personajes spinto son generalmente mujeres víctimas que padecen grandes sufrimientos. Encontramos aquí los grandes papeles, el meollo del repertorio operístico y el reino de las divas. Los más famosos personajes de esta categoría son las protagonistas de Madama Butterfly, Manon Lescaut y Tosca de Puccini, la de Aida y las dos Leonoras de Verdi, la de Il trovatore y La forza del destino.

Las sopranos dramáticas. Son los pesos pesados del mundo vocal. Una soprano de esta categoría no tiene que ser alemana por fuerza, sino que se especializa en personajes alemanes, los de Wagner en particular, y los personajes principales de las dos óperas sobre mujeres histéricas y dementes de Richard Strauss: Elektra y Salomé. Su voz debe destacarse sobre una gran orquesta, pero además tiene que ser cálida, de timbre metálico e inmensamente poderosa. Muchas cantantes han arruinado su voz intentando abordar esta clase de papeles.

El color de las voces

Independientemente de su tesitura, todas las voces se definen además por su color. Las voces características de la música clásica vienen en dos colores: lírico y dramático.

Las voces líricas son suaves y tienden a sonar más dulces al oído que sus contrapartes dramáticas. Éstas, por el contrario, poseen un timbre acerado que les ayuda a destacarse sobre una gran orquesta más fácilmente que las voces suaves. Por eso nunca oirás hablar de un cantante de ópera con “la suave voz de un tenor dramático” o el “timbre acerado de una soprano lírica”. Esas cosas simplemente no existen.

Los compositores saben sacar el máximo partido de esos dos colores vocales, sobre todo en el campo operístico. Así, para representar un villano, el compositor escribe generalmente para una voz dramática, mientras que las voces líricas se reservan para personajes buenos, puros de espíritu. Eso sí, no esperes encontrarte en la partitura de turno la especificación “voz lírica” o “voz dramática” porque no es necesario. Si el cantante debe alternar con una orquesta nutrida y poderosa, como la de Richard Wagner, Richard Strauss o Gustav Mahler, se entiende que el compositor desea oír en el papel una voz dramática. Todo cantante de voz lírica que intente abordar un papel dramático se expone a la fatiga vocal y a la desaprobación de la audiencia, dos cosas que cualquier cantante con cuenta bancaria espera evitar.

Para escuchar a las sopranos

Más allá de los títulos operísticos mencionados, también puedes escuchar la voz de las sopranos en las siguientes obras (algunas de ellas te las puedes encontrar adaptadas a otras voces femeninas más graves):

Johann Sebastian Bach: Cantata del café, BWV 211, para soprano y bajo. Lo más parecido a una ópera cómica escrito por el músico.

Gustav Mahler: Sinfonía n.^o 4, en su último movimiento.

Richard Strauss: Cuatro últimos lieder, para voz femenina y orquesta. Las sopranos han hecho de este ramillete de canciones uno de sus caballos de batalla predilectos.

Arnold Schoenberg: Erwartung (La espera), monodrama para soprano y orquesta en la más pura estética expresionista.

Reinhold Glière: Concierto para soprano coloratura y orquesta en fa menor, op. 82.

Heitor Villa-Lobos: Bachiana brasileira n.^o 5, para soprano y ocho violonchelos.

Xavier Montsalvatge: Cinco canciones negras, para soprano y piano u orquesta. Una de las obras más sabrosas de este excelente compositor catalán. Atención a la cuarta, la joya de la colección: “Canción de cuna para dormir a un negrito”.

Henryk Górecki: Sinfonía n.^o 3 “De las canciones tristes”, para soprano y orquesta. Esta obra, por razones imposibles de descifrar, se convirtió en un récord de ventas absoluto en 1992, quince años después de su composición. Incluso obtuvo un disco de oro en Gran Bretaña un año más tarde.

Las mezzosopranos

La palabra italiana mezzo significa “medio”. Las mezzosopranos se llaman así porque ganan algo así como la mitad de los honorarios de una soprano. (Puede ser también porque su rango vocal está a medio camino entre el de las sopranos y las contraltos.) Pero se toman cumplida venganza interpretando algunos de los más picantes y sabrosos papeles jamás soñados para la escena.

Las mezzosopranos vienen en dos variedades:

Las mezzosopranos dramáticas. Interpretan papeles de vampiresas y mujeres de mala vida, como Dalila, en Sansón y Dalila de Camille Saint-Saëns, y la Carmen de la ópera homónima de Georges Bizet; brujas como la Azucena de II trovatore de Verdi, y otros malvados personajes femeninos, como la princesa de Éboli en Don Carlo y la Amneris en Aida, ambas también de Verdi. La mayor parte de los papeles para mezzosoprano dramática son la contraparte de las siempre puras sopranos, personajes malvados que infligen a éstas todo tipo de dolores y sufrimientos.

Las mezzosopranos líricas. Éstas tienden a obsesionarse con su talle, pues en muchos casos interpretan papeles de muchachos adolescentes. En la ópera, estos personajes se conocen con el nombre de travestidos. Los dos más célebres son Cherubino, de Las bodas de Fígaro de Mozart, y Octavian, de Der Rosenkavalier (El caballero de la rosa) de Richard Strauss.

Por supuesto, también hay caracteres femeninos para mezzosoprano lírica, algunos de ellos espléndidos. Gioachino Rossini escribió dos de sus máximos papeles, llenos de notas rápidas, para mezzosoprano lírica: son el de Rosina en El barbero de Sevilla y el de Angelina en La Cenerentola.

Para escuchar más a las mezzosopranos

A continuación, te sugerimos algunas obras al margen de la escena operística para que puedas escuchar el repertorio de mezzosoprano al detalle.

Las contraltos

Las contraltos constituyen la categoría de las voces femeninas de registro más bajo o grave. Aunque a menudo se les asignan papeles de madres y abuelas, a veces encuentran personajes deliciosamente jugosos, como los de Ulrica, en Un ballo in maschera de Verdi, la diosa Erda, en la tetralogía El anillo del nibelungo de Wagner, y la siempre fiel esposa Lucrecia, en The Rape of Lucrecia (La violación de Lucrecia) de Britten.

Además, se asignan a veces a contraltos papeles originalmente escritos para castrati, unos muchachos que poseían una voz extraordinariamente rica en agudos, pero a costa de sacrificar, cuando eran niños, sus atributos masculinos. Afortunadamente, esa bárbara costumbre, muy en boga en los siglos XVII y XVIII, se ha erradicado por completo, de modo que aquellos papeles son abordados hoy o bien por estas contraltos, o bien por los contratenores, varones con todo lo que hay que tener, pero que cantan con una técnica especial llamada falsete. Para saber más sobre ellos, lee el recuadro “Los contratenores han llegado para quedarse” en este mismo capítulo. (Puedes leer también el recuadro “El soprano Haydn”, en el capítulo 3.)

Para escuchar a las contraltos

A continuación te ofrecemos una serie de recomendaciones para que puedas escuchar la voz de la contralto en otros repertorios y géneros:

Giovanni Battista Pergolesi: Stabat Mater, para soprano, contralto y cuerdas.

Gioachino Rossini: Giovanna d’Arco, cantata para contralto y piano.

Johannes Brahms: Rapsodia para contralto, op. 53, para contralto, coro masculino y orquesta.

Arnold Schoenberg: Canción de la Paloma del Bosque. Se trata de un fragmento para contralto y orquesta extraído de la cantata Gurrelieder, que ha hecho fortuna como página independiente.

Gustav Mahler: La canción de la tierra, sinfonía vocal sobre poemas chinos para contralto, tenor y orquesta.

Serguéi Prokófiev: Alexander Nevski, cantata para contralto, coro y orquesta basada en la banda sonora de la película del mismo título de Serguéi Eisenstein.

Los tenores

Los tenores compiten con las sopranos cuando se trata de honorarios y decibelios. Nada se compara con la emoción visceral de un si bemol agudo emitido a plena garganta por un tenor, y él lo sabe.

Los tenores también vienen en diferentes sabores:

Los tenores líricos. Cantan algunos personajes mozartianos (como Don Ottavio, en Don Giovanni), lo mismo que algunas joyas escogidas del repertorio francés, como los papeles principales de Fausto de Gounod y de Werther de Jules Massenet, además de muchos personajes estándares de la ópera italiana, como Edgardo en Lucia di Lammermoor de Donizetti, Alfredo en La traviata de Verdi y Rodolfo en La bohème de Puccini. Dichos caracteres son generalmente simpáticos: hombres vulnerables que aman demasiado.

Los tenores spinto. Cantan importantes y jugosos papeles: Manrico en Il trovatore y Radamés en Aida, ambas de Verdi; Cavaradossi en Tosca, de Puccini; Canio en Pagliacci, de Leoncavallo, y don José en Carmen, de Bizet, además de ciertos papeles escritos para tenor lírico. Los personajes asignados a un tenor spinto tienden a ser más heroicos que los de un tenor lírico, pero conservan su misma falta de moderación en el aspecto amoroso.

El tenor heroico. Llamado Heldentenor por los alemanes, que para eso son sus más entusiastas partidarios, es la contraparte masculina de la soprano dramática y, como ésta, canta sobre todo papeles wagnerianos, como Tristán, en Tristán e Isolda.

Para escuchar a los tenores

Si quieres profundizar en tu conocimiento del arte tenoril más allá de la ópera, puedes acercarte a alguna de estas composiciones:

Ludwig Van Beethoven: A la amada lejana, ciclo de lieder para voz masculina (generalmente de tenor) y piano.

Robert Schumann: Dichterliebe (Amor de poeta), ciclo de lieder para voz y piano, interpretado también por sopranos y barítonos.

Hector Berlioz: Réquiem. Esta apabullante obra, que requiere de una orquesta ya de por sí enorme sin contar el refuerzo de cuatro grupos de metales, cuenta con una importante parte de tenor. Él es el encargado de cantar el “Sanctus”.

Franz Liszt: Sinfonía Fausto. Su último movimiento incluye una parte para tenor y coro masculino.

Arnold Schoenberg: Gurrelieder, monumental cantata para solistas (entre ellos un tenor heroico en el papel de rey Valdemar), coro y una de las más grandes orquestas empleadas nunca.

Benjamin Britten: Serenata para tenor, trompa y cuerdas.

Los barítonos

Los barítonos son hombres con voces en el rango medio. Si alguna vez has cantado en el coro del colegio y no podías con las notas altas ni con las bajas, probablemente te dijeron que eras barítono (entre otras cosas).

Para no ser menos, la voz de barítono tiene también sus subdivisiones:

El barítono lírico. Tienen una voz aterciopelada y tienden a interpretar el papel del tipo divertido, versátil y amigo del enamorado protagonista (tenor, por supuesto): el líder (Marcello en La bohème de Puccini), el que se burla de todos (Mercutio en Romeo y Julieta de Gounod), el sagaz intrigante (Fígaro en El barbero de Sevilla de Rossini) o el alivio cómico (Papageno en La flauta mágica de Mozart).

Los barítonos dramáticos. Difíciles de encontrar, son muy apreciados por los productores de óperas. Cantan los grandes papeles de villano de Verdi, de ahí que se les conozca también como barítonos verdianos. Los hay especialmente despreciables, como el Conde de Luna de Il trovatore y con un punto humano, como el papel principal de Rigoletto. Pero Verdi no tiene la exclusiva de ellos, por lo que también te los puedes encontrar en Pagliacci de Leoncavallo (Tonio) y en Tosca de Puccini (Scarpia, uno de los más grandes villanos de todos los tiempos).

Otra variedad de estos barítonos es la que se encuentra en el repertorio germánico. El personaje por excelencia para esta tesitura es Wotan, el rey de los dioses de la tetralogía El anillo del nibelungo de Wagner.

Los bajos-barítono. Son los machos del mundo operístico, pues combinan la sonoridad del barítono con la profundidad del bajo. Los papeles para esta categoría evitan los extremos del rango, cantando en la parte media y más hermosa de su voz. Mozart compuso dos de sus creaciones más sublimes para bajo-barítono: el tipo con más exceso de testosterona del mundo, don Giovanni en la ópera homónima, y aquel otro a quien no te disgustaría tener como vecino, el Fígaro de Las bodas de Fígaro.

Los contratenores han llegado para quedarse

Aunque parezca imposible, hay hombres que pueden llegar a cantar las notas altas de una soprano, si bien la mayor parte de ellos tienen un registro más propio de las contraltos. Son los contratenores, hombres que entrenan la voz de falsete. Si eres hombre, sabes qué es el falsete: cuando uno canta notas agudas por encima del punto en que se le quiebra la voz, aparece el falsete, especie de voz femenina ligera. Los comediantes de Monty Python empleaban su voz de falsete para interpretar papeles de mujeres. En las óperas y oratorios esto no es así, pues los papeles que encarnan son aquellos masculinos que en origen interpretaban los aclamados castrati, aunque ocasionalmente, y con intención paródica, también se acerquen a alguno femenino, como la Hechicera de Dido y Eneas de Henry Purcell.

Los contratenores empezaron a despuntar allá por la década de 1950, y no sin vencer serias resistencias del público, que consideraba su timbre artificial. No obstante, con el tiempo se han consolidado, y hoy son presencia habitual en muchas representaciones de óperas barrocas y conciertos de música antigua. E incluso hay compositores modernos han escrito papeles para ellos. Es el caso del de Oberon, de El sueño de una noche de verano de Benjamin Britten, del príncipe Go-Go de El gran macabro de György Ligeti o del faraón Akenatón de la ópera homónima de Philip Glass.

Para escuchar a los barítonos

En el texto precedente te hemos mencionado algunas óperas. Pero los barítonos también cantan otros repertorios. He aquí algunas obras que puedes escuchar:

Domenico Cimarosa: Il maestro di cappella, para barítono-bajo y orquesta. Un intermedio cómico en el que las desdichas de un director de orquesta sirven para satirizar el ambiente operístico de la época clásica.

Franz Schubert: El viaje de invierno, un ciclo de lied para voz y piano. Aunque la puedes escuchar a cargo de un tenor, es una de las páginas favoritas de los barítonos.

Johannes Brahms: Cuatro cantos serios, para barítono o bajo y piano.

Gustav Mahler: Canciones del camarada errante, para barítono y orquesta.

Jean Sibelius: Kullervo, sinfonía vocal para soprano, barítono, coro masculino y orquesta sobre un oscuro héroe de la mitología finlandesa (y tan oscuro: el tipo viola a su hermana, aunque, en su descargo, sin saber que lo era, y luego se mata).

Alexander von Zemlinsky: Sinfonía lírica, para soprano, barítono y orquesta, sobre poemas de Rabindranath Tagore.

Los bajos

Es una obviedad, pero los bajos suenan más bajo que todos los demás. Cantan por definición las más bajas notas que la voz humana puede emitir. Su fuerte y atronadora voz parece resonar desde las profundidades de alguna enorme caverna.

Los bajos suelen interpretar papeles de padres o sacerdotes, pero ocasionalmente tienen la oportunidad de lucirse como el diabólico Mefistófeles del Fausto de Gounod o como soberanos autócratas como el rey Felipe en el Don Carlo de Verdi y el zar Boris Godunov en la ópera homónima de Modest Musorgski.

Existe también el basso profondo (bajo profundo), así como el basso cantante (bajo cantante), adecuado para los personajes verdianos y las óperas de bel canto, y el que los alemanes llaman schwarzer Baß (bajo negro), ideal para representar hombres ancianos o villanos del repertorio alemán o ruso.

Fuera de la ópera, puedes escuchar magníficas partes para bajo en estas obras:

Johann Sebastian Bach: Cantata del café, BWV 211, para soprano y bajo. Lo más parecido a una ópera cómica escrito por el músico.

Modest Musorgski: Canciones y danzas de la muerte, para bajo y piano (aunque también puedes encontrarlas cantadas por otras voces y con acompañamiento de orquesta; pero como suenan más convincentes, esto es, más negras, es en la voz de bajo).

Maurice Ravel: Don Quijote a Dulcinea, tres canciones para voz (que también puede ser la de un barítono) y acompañamiento de piano (aunque también existe versión para orquesta).

Dmitri Shostakóvich: Sinfonía n^o 14, para soprano, bajo, cuerdas y percusión. Una de las obras más fúnebres de este compositor, toda ella basada en poemas de la literatura universal (uno de ellos, Federico García Lorca) referidos a la muerte. ¿Qué tendrá la voz de bajo que inspira obras así a los compositores?

El coro

Todas estas voces que hasta aquí te hemos presentado se pueden escuchar a solo, tanto en óperas como en oratorios, cantatas o lieder (en el capítulo 9 puedes encontrar información detallada de todas estas formas), pero también unidas hasta formar un coro, que puede ser de apenas un puñado de amigos hasta tantas personas como se quiera. Pero sea como sea, casi siempre estará organizado en cuatro cuerdas o voces, correspondientes a los registros más altos y bajos.

Dicho de otro modo, un coro mixto con todas las de la ley es el formado por:

Y a partir de aquí, todas las variantes que quieras, pues hay coros sólo de voces graves masculinas, coros femeninos, coros de voces blancas (en el caso que los integrantes sean niños), etc.

Para este formato básico se han escrito innumerables obras maestras, tanto con las voces solas como acompañadas por algún instrumento (piano, órgano) o una orquesta al completo, con solista o sin él, de carácter sacro o profano, etc. ¿Quieres conocer algunas? Muchas de ellas cuentan también con partes solistas:

Giovanni Pierluigi da Palestrina: Misa del papa Marcelo. Según la leyenda, gracias a esta obra su autor salvó la música polifónica de la amenaza de prohibición que pesaba sobre ella por parte de la Iglesia católica. Sea verdad o no, el arte polifónico alcanza aquí una de sus cimas más sublimes.

Claudio Monteverdi: Vespro della Beata Vergine. Una partitura vanguardista para su tiempo, allá por principios del siglo XVII, y que escuchada hoy sigue sorprendiendo por su audacia y expresividad.

Georg Friedrich Haendel: El Mesías, el más popular de los oratorios de todos los tiempos. Fíjate si lo es que el mismo Mozart realizó una nueva orquestación del mismo, más adaptada a los gustos del Clasicismo.

Johann Sebastian Bach: La Pasión según san Mateo. Sin duda, una de las obras cumbre de la música no sólo coral, sino universal. ¡Y no es la única que merece la pena de este compositor! Si no te recomendáramos también la otra pasión, la de san Juan, o la Misa en si menor o sus cantatas no podríamos volver a conciliar el sueño nunca más.

Franz Joseph Haydn: La Creación, una gran obra que sirvió, en los albores del Romanticismo, para recuperar y revivificar el género del oratorio.

Wolfgang Amadeus Mozart: Réquiem. La última obra de genio quedo inacabada, pero melodías como la del “Lacrimosa” siguen llegando al corazón.

Ludwig Van Beethoven: Sinfonía n.^o 9 en re menor “Coral”, op. 125. El final de esta sinfonía, basado en el “Himno a la alegría” del poeta Friedrich Schiller, contiene una de las melodías más famosas de la historia.

Giuseppe Verdi: Réquiem. De esta obra se dice que es “demasiado operística”, pero aunque sea verdad, ¿qué más da?

Johannes Brahms: Un réquiem alemán. En comparación con otras misas de difuntos católicas, mucho más dramáticas, esta protestante rezuma serenidad y belleza a raudales.

Gabriel Fauré: Réquiem. Posiblemente, el más sencillo, emocionante y lírico de todos los réquiems. ¡Y hay donde escoger!

Gustav Mahler: Sinfonía n.^o 8 “De los mil”. El gigantismo posromántico en lo que se refiere a fuerzas corales e instrumentales queda representado por esta obra, prácticamente el único éxito que conoció su autor en vida.

Ígor Stravinski: Sinfonía de los salmos. Una de las partituras más personales del ruso, muy alejado aquí de la barbarie disonante de La consagración de la primavera.

Carl Orff: Carmina Burana, una cantata que, gracias sobre todo a su “O Fortuna” inicial, se ha convertido en uno de los grandes éxitos de la música del siglo XX. ¡Incluso entre aquellos que normalmente no escuchan música clásica!

Y lo dejamos aquí, pues el repertorio coral no tiene fin. En la lista encontrarás estilos muy diferentes para que pruebes y veas cuál es el que mejor se adapta a tus gustos. Y si miras a lo largo del libro, tanto en los capítulos de historia como en el de formas, encontrarás más recomendaciones.

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